NIKLAUS STOECKLIN, TRA POP E NUOVA OGGETTIVITA'

Niklaus STOECKLIN, svizzero (Basel 1896 – 1982), non solo è uno dei più grandi, eleganti e dimenticati surrealisti, ma anche uno che, per campare, ha creato immagini-icona pubblicitarie, pensate per poster e cartonati, che fanno oggi impallidire la pop-art.

Maestro del realismo magico e della Nuova Oggettività “Neue Sachlichkeit” - dal nome della mostra che questa corrente tenne alla Kunsthalle di Mannheim nel 1925, nell a quale Niklaus sarà l’unico esponente svizzero ad essere invitato - non offre sul web neanche un articolo a lui dedicato in italiano o una piccola voce di Wikipedia che di solito non si nega a nessuno (oh …ragazzi… non posso far tutto io, avrò scritto almeno un centinaio di biografie, cribbio, fate qualcosa anche voi!)...

Figlio di un mercante, compie però come tutti i suoi fratelli, una scelta artistica, tra poesia e pittura, seguendo gli insegnamenti dello zio, Heinrich Müller, noto artista locale di impostazione tradizionale.

Dal 1914 studia presso la Scuola di Arti Applicate di Monaco e allo scoppio della guerra ritorna in Svizzera.

Tiene a Basilea la sua prima mostra personale e inizia a vendere le prime opere, trovando in Georg Reinhart un collezionista, un amico e un mecenate, che lo ospiterà per molti mesi nella sua casa di San Gimignano, dandogli modo di conoscere l’arte italiana.

Grazie anche alla frequentazioni di questo rapporto conosce e si sposa con Elisabetta Schnetzler, dalla quale avrà la figlia Noëmi. 

A partire dagli anni ’30 inizia a operare anche come pittore pubblicitario "cartellonista" e illustratore, innovando le normali dinamiche di rappresentazione del prodotto, portandolo da pack-shot a still life. Macro dettagli su campiture di colore puro (giallo, blu, ocra), che lo fanno distinguere da tutti gli altri colleghi, con una citazione d'onore a Peter Birkhäuser (Basilea, 7 giugno 1911 – Binningen, 22 novembre 1976) che proprio a lui si ispira. 

Sono trenta anni di grande pittura che lo accompagnano sino alla fine degli anni ’40.
Anche nell’arte cosiddetta seria, sa essere diverso da tutti gli altri, con oggetti e forme che si cristallizzano nello spazio, immoti nel tempo. Dove anche la figura umana si solidifica per divenire massa intrisa di mistero.

autoritratto, 1928

Ancora tutte da scoprire le straordinarie illustrazioni scientifiche, metafisiche nella loro assoluta oggettività: serpenti, rocce, cristralli, pipistrelli. Probabilmente nate dalla passione condivisa con il padre per la collezioni di minerali e coleotteri, che il padre li lascerà in eredità raccolte nei volum “Schönheiten der Natur”, Zürich, Rotapfel, 1943.

BOTTON DOWN

Giù le mani. Su le mani! Sono appoggiate su un libro e sembrano voler comunicare qualcosa di arcano e autorevole.

La cosa intrigante è che si tratta di una foto, anzi di un dagherrotipo realizzato tra il 1840 e il 1850 della misura di 1,6 centimetri, scoperto nei primi anni 1980 in un mercato delle pulci nel Massachusetts, pagato 2,50 dollari: l’unico conosciuto al mondo con questa caratteristica.

E’ realizzato in ottone bagnato d’oro basso. Una manifattura tipica dei bottoni in metallo dorato di massa prodotti tra il 1830 e il 1850 in diverse fabbriche del New England come la Manufacturing Company Scovill a Waterbury.

L'uso di bottoni per scopi politici negli Stati Uniti ha avuto inizio nel 1700 con bottoni che proclamavano "Indipendenza", come l'obiettivo ideale dei coloni oppressi, e "Viva il Presidente," in onore dell’insediamento di George Washington.

Per molti anni, l'immagine è stata ritenuta la prima manifestazione antischiavista di due mani, una nera, l’altra bianca, poggiate su una Bibbia che indica la volontà di Dio e il diritto all’uguglianza.

Oggi, dopo analisi digitali dettagliate, la fotografia sembra mostrare le mani di un solo individuo. Il significato simbolico di questo bottone è quindi aperto per reinterpretazione. Amen.

LOVER EYES. Gli occhi degli amanti clandestini.

Ti guardano, fissi. Dovrebbero comunicare passione. Forse. Ma anche un po’ di inquietudine.

Sono i LOVERS EYES, sorta di enigmatico pegno d’amore che nel XVIII° e XIX° sec. amanti britannici, francesi e nord europei si scambiavano in maniera clandestina, tanto che ancora adesso, nella maggior parte dei casi, non è possibile identificare i loro destinatari o le persone che erano state raffigurate da abili e costosi miniaturisti.

Gli esperti ritengono siano rimasti oggi nel mercato meno di 1.000 "occhi dell'amante, molti dei quali conservati in collezioni private, capaci di costare anche migliaia di euro, tanto da far nascere anche in tempi recente la produzione di falsi.

Secondo la tradizione, la moda avrebbe avuto inizio alla fine del 18° secolo, quando il principe di Galles - che in seguito divenne Giorgio IV – si innamorò perdutamente di una donna cattolica, rimasta due volte vedova, di nome Maria Fitzherbert. E che fu proprio tra i due amanti, ostacolati dal dovere si Stato, che sarebbe nata l’usanza dello scambio di “occhiate amorose”…

La love story tra il principe di Galles e Maria rese popolari questi oggetti e ha generato una moda di elite che durò fino al 1840 - e anche più tardi - passando per la Regina Vittoria, che pare avesse commissionato un certo numero di questi oggetti durante il suo regno.

Sarebbe anche questo il segreto del celebre scatto della Contessa di Castiglione, fotografata da Pierre-Louise Pierson, che verso il 1863 mette in evidenza uno dei suoi splendidi occhi.

HITLER COLLEZIONISTA

Mai scoraggiare le mezze seghe. Hitler, copista e acquarellista mediocre, scartato più volte dall’ammissione all’Accademia di Belle Arti di Vienna finì per placare la propria frustrazione facendo scoppiare la Seconda Guerra Mondiale. E non mi pare poco. Cosa che mi ha portato ad avere sempre una certa indulgenza con gli imbrattatele e con i soggetti promossi a suo tempo da Diprè. Perché chi stende i colori difficilmente invade poi la Polonia.

Impossibilitato a dipingere, Hitler pensò così di demonizzare prima l’arte moderna, bollando come arte degenerata un’intera generazione di geniali innovatori, per molti versi irreplicabile, per poi vagheggiare un’arte apollinea e teutonica che, per fortuna, non si è mai imposta.

In questo delirio estetico divenne anche un collezionista maniacale, proprietario - come Stalin – della misteriosa Isola dei Morti di Arnold Bocklin (che in effetti avrei appeso in camera anche io). Ma anche di oltre 5mila opere minori, per le quali si voleva costruire anche un museo a Linz, in Austria.

Autori oggi dimenticati, come Franz Eichhorst, Paul Herrmann, Sepp Hilz, Friedrich W. Kalb, Oscar Oestreicher, Steppes Edmund, Armin Reumann. Per la maggior parte, essi stessi vittime dell’accostamento con Adolf, che ha portato le loro opere a essere distrutte o a rimanere celate nei magazzini.

Pittori “tradizionalisti”, non sempre compromessi dal nazismo, ma che ne esprimevano a volte involontariamente, i suoi valori estetici e ideali. Che forse ora andrebbero studiati con spirito più aperto.

16 di queste opere sono ora emerse nella Repubblica Ceca dopo una ricerca che ha impegnato per cinque anni un artista locale. Opere trasportate in Cecoslovacchia durante l’occupazione su ordine di Hitler stesso, per evitare che venissero danneggiate.
Erano state acquistate in Germania e valgono oggi circa 2.7 milioni di dollari (almeno questa è la valutazione che ne hanno dato i quotidiani).

Sono state presentate al convento di Doksany, nel nord della Repubblica Ceca e facevano parte di un corpus di 70 pezzi nascosti in un monastero a sud di Vyssu Brod.

Questi dipinti ritrovati andranno all’Istituto per la Protezione e la Conservazione di Monumenti e Siti Nazionale, che ha affermato di non volerli vendere né esporre al pubblico.

  

Acquerello di Adolf Hitler

L'Isola dei Morti, il quadro preferito da Hitler che ne possedeva una delle versioni.
L'Isola dei morti di Arnold Böcklin era il quadro preferito da Hitler, Lenin e Freud. ... Anche D'Annunzio ne possedeva una.

DIO CREO’ I COLORI. QUALCUNO PROVO’ A CONTARLI.

Nell’ambito della ricerca ne possono succedere di tutti i colori. Quindi dimenticare di chiamarli "topi di biblioteca".

Ne sa qualcosa Erik Kwakkel uno studioso di antichi testi medievali dell’Università di Leida (guardate qui il frutto delle sue ricerche http://erikkwakkel.tumblr.com) che analizzando i fondi della Bibliothèque Méjanes di Aix en Provence ha scoperto nel 2013 un libro scritto a mano.          Un “unicum” in tutti i sensi: un tomo rilegato di 800 pagine che spiega l’uso dei colori nella pittura dell’epoca e le variazioni cromatiche per la pittura ad acquarello in migliaia di variazioni sistematiche.
Un volume redatto nel 1692 da un misterioso a A. Boogert che anticipa di quasi 3 secoli il manuale del Pantone (pantone Color Guide) che, codificando i colori, ha rivoluzionato l’industria tipografica (1963). C’è sempre qualcuno avanti. Troppo avanti...

P.S. Sì...ma una scoperta così avviene una volta nella vita. Non sempre. Lo stesso autore ha anche scoperto un mirabile Libro dei Pattern, realizzato intorno al 1760. Qui allegato.

AMRITA SHER - GIL. LA FRIDA KHALO DELL'INDIA.

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Più la storia è maledetta, più la pittura appare bella e affascinante. Siamo tutti un po' cialtroni, noi artofili, ma ci piace guardare nelle pieghe del quadro, negli sguardi, cercando di individuare storie e presagi. Facciamo i colti, ma poi leggiamo le biografie, da Caravaggio a Van Gogh, e ci emozioniamo per delitti ed eccessi.

Come non inserire in questa élite Amrita Sher - Gil (30 Gennaio 1913 - 5 dicembre 1941), una pittrice indiana nata da padre del Punjabi, aristocratico sikh, fotografo per passione, e da una madre ebrea ungherese, cantante lirica.

Nota anche come la Frida Kahlo indiana  - grazie anche alla riscoperta effettuata in occasione del centenaio della nascita- è  oggi considerata forse la più importante pittrice del 20° secolo in Asia, la cui eredità culturale in India viene rivelata alla pari con quella dei Maestri del Bengala ed ebbe grande influenza su maestri come Sayed Haider Raza e Arpita Singh.  

 

Bellissima, nata a Budapest e trasferitasi a 8 anni in India, verrà a studiare a Firenze (addirittura a 11 anni, sic!) e a Parigi, per poi tornare in India, dando vita a una serie di dipinti, negli anni ’30, dedicati alle donne indiane dei villaggi del Sud, che oggi fanno scuola. Abbandona finalmente  lo "stile europeo", approfondisce la ricerca a Summer Hill, Shimla, dove la famiglia risiede, e cerca di creare, anche nei colori, una reale identità indiana. 

Non solo esplora forme e cromie fatte di terra e spezie, ma va a donare alle donne espressioni che la pittura indiana non aveva mai esplorato prima. Attenta, anche politicamente, a voler raccontare la vita dei poveri, dei derelitti, dei rappresentanti delle caste più umili. La sua non è una fuga intellettuale come Gauguin, è una presa di coscienza.
Con lei finisce l'orientalismo, e nasce la pittura d'oriente contemporanea.

 

Sposatasi con il cugino Victor, ungherese, lo tradisce costantemente con uomini e con donne, che spesso usa come modelle. I detrattori la chiamano Gipsy, la zingara, per le sue origini.

--> Con lui si trasferisce a Saraya, nell'Uttar Pradesh, regione ai confini con il Nepal, attraversata dal Gange, ma poi insoddisfatta, si sposta a Lahore. E’ proprio qui, nel 1941, a vent'otto anni, pochi giorni prima dell'apertura della sua prima grande mostra personale, si ammala gravemente, scivola in coma e muore.

La madre accusa il marito di averla uccisa. Molti credono che la causa della morte sia un aborto clandestino. Amrita è morta da poche ore quando l'Inghilterra dichiara guerra all’Ungheria e Victor viene messo in prigione come nemico della nazione.

Salman Rushdie si è ispirato a lei per la protagonista della novella ”The Moor's Last Sigh", 1995.