ACHILLE SDRUSCIA L’ALTRO VOLTO DELLA SCUOLA ROMANA. PIU’ DIMENTICATO CHE SOLO OUTSIDERS.

 

“La pittura è una preghiera laica 

è una immersone nel colore e nella materia!”

Achille Sdruscia

 

Se amate i rossi gridati e pastosi di Gino Bonichi, in arte Scipione, o quelle atmosfere post-atomiche create ben prima dell’atomica, se vi affascinano le contorsioni dei corpi di Mafai, troverete anche voi, come me, una connessione diretta e forte con Achille Sdruscia (1910-1994), uno dei più dimenticati e sottovalutati pittori della Scuola Romana.

Proprio da Gino & Mario, di sei anni più anziani di lui, riceve i primi incoraggiamenti, e l’invito a frequentare i corsi della scuola libera del nudo dell'Accademia di Belle Arti e poi a frequentare la Biblioteca di Storia dell'Arte di Palazzo Venezia dove, entrambi, avevano potuto formare la propria conoscenza sulle nuove tendenze dell’arte.

 

Achille Sdruscia per gli amici “Achilletto”, nasce a Roma nel 1910 e dal padre Amedeo maestro stuccatore, storico collaboratore dello studio “Brini e Meschini” impara i rudimenti del mestiere, che poi riverserà nella pittura.  Di giorno lavora con il padre e, quando può, frequenta i corsi di disegno anche presso l’Accademia di San Luca. E il disegno, non a caso, diventerà una sua area di eccellenza, pur se pochi sono ancora i suoi lavori conosciuti.

Una capacità segnica che va di pari passo con quella dei grandi pittori del tempo.

 

 

 

È durante la guerra che comprende la sua vocazione, entra di fatto nella Scuola Romana che si dirama in mille sfaccettature. Frequenta Piazza del Popolo e via Margutta, dove abiterà brevemente, e nel 1943 Sdruscia è presente alla IV edizione della Quadriennale di Roma. Frequenta i più grandi maestri di quel periodo, da Virgilio Guidi a De Pisis, da Ziveri (con cui spesso dipinge en plein air) a Vedova.

 

Negli anni cinquanta la sua pittura tonale, incontra un discreto successo di pubblico e di vendite, espone nella celebre rassegna romana voluta dalle Sorelle Fontana, e riceve una menzione speciale al Premio Marzotto. Achille Sdruscia racconta Roma in tutti i suoi angoli segreti, con uno stile che appare immediatamente riconoscibile, dove il nero agisce come contorno e alternanza, in contrapposizioni a rossi e ocra. Roma in quegli anni è un grande paese dove nel centro storico vivono ancora artigiani e povera gente, ed è quello il mondo che vuole raccontare.

 

Inizia tuttavia a rinchiudersi in sé stesso, e soprattutto, esce dal giro dei galleristi. Questo lo porterà a essere via via dimenticato, mentre il valore delle sue opere scende di quotazione. Negli anni settanta la sua arte appare antica, superata. Non sperimenterà mai la pittura astratta e finisce per essere dimenticato. Muore a Roma nel 1994.

 

L'artista è presente anche nella Galleria Nazionale d d'Arte Moderna di Roma ed inserito nel catalogo della "Raccolta 8 x10 di Cesare Zavattini".

 

 

« L'arte è il conforto dello spirito 

e in essa esiste la civiltà del tempo »

 

 

 

 

Premio Marzotto 1951 foto ufficiale con Enrico Accatino, Carlo Levi, Felice Mariani, Ornella Angeloni, Achille Sdruscia (con i baffi)

 

 

autoritratto 1943

 

 

 

 

 

 

 

Scuola romana, Achille Sdruscia,

TELEGRAMMA: MARUJA MALLO

Maruja Mallo (Spagna, 1902-1995) è stata  una delle figure più importanti della generazione intorno al '27 precedente alla Guerra Civile. Un'artista rivoluzionaria, che fece parte dei movimenti d'avanguardia a Madrid insieme ai grandi nomi del momento, come Dalí, Alberti, García Lorca o Ramón Gómez de la Serna.

 

Dopo lo scoppio della guerra civile, Mallo andò praticamente in esilio in America Latina, del quale espresse atmosfere e suggestioni, diventando voce ed espressone della cultura sud americana.
Tornò in Spagna solo nel 1962, ma molti suoi amici erano morti, o andati a vivere all'estero.

Rimasta sola, mano a mano, cadde nell'oblio. Muore a Madrid a novantatre anni.

BRUNO RASIA L'ALTRO VOLTO DI FLAIANO, REGISTA PITTORE SCENEGGIATORE, ANIMA DI VIA MARGUTTA

"Ogni volta che scopro chi sono, mi viene in mente chi vorrei essere. E ricomincio da capo."
Bruno Rasia

 

A Via Margutta 83 a Roma, a cento passi dalla casa di Fellini, dove spesso andava a prendere il caffè, e proprio sopra la Galleria il Saggiatore, ha vissuto e lavorato per decenni una figura di intellettuale da riscoprire e ricordare.
Si chiamava Bruno, e di cognoma faceva Rasia. 

Bruno Rasia è stato un regista, sceneggiatore, pittore, scenografo, disegnatore umoristico, e probabilmente il migliore amico di Ennio Flaiano sino alla morte, del quale divenne il maggiore biografo scrivendo tre volumi a lui dedicati: "Con Flaiano al caffè" Gabrielli editore, 1976, "C'era una volta... Flaiano", Rai Libri, 1994, il piccolo Flaiano. L'infanzia di un satiro. Anzi realizzerà addirittura con la co-regia di Antonio Salines nel 1983 con il film prodotto dalla Rai "Un marziano a Roma" trasposizione dell'omonimo racconto breve, uno dei più lungimiranti del novecento.

 

Nel tempo ha diretto film come "La scimitarra del saraceno" 1959, "Il malinteso" 1983, con Alida Valli, "Un uomo di razza" 1989 con Philippe Leroy. E ha dipinto, disegnato, passando dai disegni satirici che realizzava per le riviste di Leo Longanesi e Maccari sino a ricoprire una rubrica su il Radiocorriere TV.

Ha poi realizzato a tele gigantesche, quasi scenografie, nel quale inseriva la sua vena iconoclasta, mettendo in scena persino la devastazione della città del Vaticano. Espone e ottiene successo, sperimentando dalla fine degli anni '50 l'arte astratta (tornerà al figurativo negli anni '70). Ma ogni volta che raggiunge un risultato corre a fare un'altra cosa.

Nato vicino Verona nel 1926, dopo studi economici viene travolto dalla guerra. Sopravvive alla strage di Cefalonia, ma finisce comunque recluso in un lager tedesco sino alla fine del conflitto. 

Seguendo  i suoi sogni viene a Roma, e stringe subito amicizia con tutti gli esponenti del cinema romano, soprattutto Fellini, Flaiano e Zavattini, che qualche volta lo fa lavorare come "negro", cioè senza firmare.

Collabora con la televisione, produce programmi e documentari, ma il suo mondo appare svanito. Muore a Roma nel 2010.

 

Autoritratto di Bruno Rasia con Ennio Flaiano

 

 

 

 

Bruno Rasia per il Radiocorriere TV

Ricerca astratta 1960-1961

 

 

 

Bruno Rasia regista Fellini sceneggiatore pittore "Ennio Flaiano" "Bruno Rasia" cinema italiano

 

 

 

EVA HESSE, LA FIBERT ART MAGIA QUOTIDIANA

 

Eva Hesse, nata ad Amburgo, Germania, nel 1936, emerge come figura commovente nella scena artistica del dopoguerra, una scultrice innovativa il cui contributo al minimalismo e al post-minimalismo ha lasciato un segno indelebile nonostante la sua breve carriera. 

Costretta a fuggire dalla Germania nazista con la sua famiglia all'età di tre anni, Hesse si stabilì negli Stati Uniti, dove le vicissitudini e i traumi dei suoi primi anni avrebbero più tardi permeato la sua visione artistica. Il viaggio artistico di Hesse iniziò nel fervente hub creativo di New York, dove studiò al Pratt Institute, alla Cooper Union e alla Yale University, quest'ultima sotto la guida di Josef Albers. I suoi primi lavori erano principalmente disegni e dipinti, aderendo a uno stile più astratto. Tuttavia, la vera trasformazione nel suo lavoro avvenne al suo ritorno in Germania nel 1964, dove lei e suo marito, lo scultore Tom Doyle, vissero in una fabbrica tessile abbandonata a Kettwig-an-der-Ruhr. Questo periodo fu fondamentale, poiché Hesse iniziò a sperimentare con materiali industriali, che portarono alle sue sculture rivoluzionarie. Le sue sculture, caratterizzate dall'uso di materiali non convenzionali come lattice, fibra di vetro e plastiche, sfidarono le forme rigide del minimalismo introducendo forme organiche, una sensualità tattile e un'espressività emotiva caotica.

Opere come "Hang Up" e "Contingent" sono esemplari, mostrando il suo uso innovativo dei materiali per evocare vulnerabilità e impermanenza. Tragicamente, la carriera di Hesse fu interrotta dalla sua prematura morte a causa di un tumore al cervello nel 1970, all'età di 34 anni. 

Tuttavia, la sua influenza perdura, celebrata per il suo lavoro pionieristico che ha ampliato le definizioni di scultura e materiali nell'arte moderna. L'eredità di Hesse è quella di resilienza e innovazione, segnandola come una forza significativa, sebbene poco riconosciuta, nel mondo dell'arte del XX secolo. 

 

ENRICO ACCATINO (1920-2007) – RIQUADRARE LA STORIA - la mostra che fotografa gli anni '60 e '70

 

…una pittura secca, essenziale, senza compiacimenti.

Pier Paolo Pasolini - 1950 

 

...vorrei vederti più spesso e se credi di farmi vedere la grande pittura che stai facendo te ne sarei grato. Abbiamo bisogno, per questa grande battaglia di rinnovamento dell'arte italiana, di tutte le forze nostre migliori. Una nuova fase è incominciata, superato il momento delle polemiche e della confusione dei termini...

Renato Guttuso - 1952 - lettera a Enrico Accatino

 

Uno degli esiti più sorprendenti di questi arazzi “spaziali” di Accatino è la loro qualificazione materiologica, in senso diverso dalla flessione pittorica del mezzo, puntando invece proprio sulla determinazione delle soluzioni tecniche…di qui, dunque, una grande ricchezza di risultati figurali, di veri e propri punti di arrivo, al di là di un semplice rinnovamento della tradizione dell’arazzeria.

Enrico Crispolti - 1970 

 

 

Il tempo, alla fine, ristabilisce le regole. Ed è bello sapere che alla Sala1, storica galleria di Roma, torna l’artista che nel 1970 aveva inaugurato il grande spazio espositivo che, all’epoca, occupava anche l’area dell’odierno teatro. A Piazza di Porta San Giovanni, sotto la Scala Santa, e volte che trasudano di storia, si snoda così un racconto fatto di lavoro e di visioni che ospita una selezione accurata di opere: arazzi, dipinti e sculture. 

Dal 1957 (inizio del ciclo astratto) sino al 1979, lavori fondamentali per comprendere il percorso e l’evoluzione dell’artista e per definire lo stato delle avanguardie in Italia tra gli anni ‘60 e ‘70. Non una “antologica”, quindi, ma una mostra tematica, parte di una attività che si è snodata senza interruzioni dal 1938 al 2005. Un progetto nato dalla collaborazione con l’Archivio Enrico Accatino a cura di Alfredo Accatino, figlio dell’artista e noto divulgatore dell’arte del Novecento, e Mary Angela Schroth, direttrice della galleria, Centro Internazionale d'Arte Contemporanea dove saranno esposte, dopo 60 anni, anche due tele presentate alla Quadriennale di Roma del 1964.

Un'esposizione apertasi il 22 marzo, e che proseguirà sino al 15 maggio in concomitanza con l’apertura dello studio dell’artista Enrico Accatino a San Basilio dove è stato ricostruito l’atelier del maestro dopo che una serie di allagamenti avevano danneggiato moltissime opere (alcune delle quali andate perdute) costringendo la famiglia a chiudere lo studio di Via Agri, sino allora conservato intatto.  Una storia che venne raccontata alla Galleria Nazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Roma (dove sono conservate due sue opere) per volontà della direttrice Cristiana Collu con un incontro accademico che vide i contributi critici di Giuseppe Appella e Claudio Strinati.

Il concerto (1966 su bozzette del 1947) e sculture anni '70 e '80

Da questo evento nasce quindi il processo di rilancio un artista importante, anche per il contributo che diede alla nascita dell’educazione artistica in Italia, portato avanti attraverso 400 trasmissioni televisive (1959-1963) per “Telescuola” e “Non è mai troppo tardi” e la scrittura di volumi fondamentali per la materia. Allievo di Felice Casorati, dopo una lunga esperienza a Parigi, dove entra in contatto con i maggiori artisti europei, inizia un processo di maturazione che dal figurativo, incentrato sul tema del lavoro, degli umili, degli ultimi – con il quale si aggiudica il prestigioso Premio Marzotto - approda all’astrattismo. Un processo di rarefazione dell’immagine che lo condurrà a una pittura aniconica rigorosa, materica, spesso giocato sul nero e sul grigio, che lo avvicina a Kline a Solauges e a Vedova. 

 

Geometria della memoria Olio su tela,  Cm.145x195

Enrico Accatino esplora ogni tipologia di tecnica e materiali, realizzando dipinti, sculture, opere di grafica e monotipi (acquisendo anche il torchio di Ottone Rosai). 

In più fu il primo a rilanciare in Italia la cultura tessile dedicandosi dal 1966 al rilancio dell'arazzo come linguaggio per soluzioni bi-tridimensionali (diaframma), promuovendo la fiber art in Italia, rappresentando la nazione alla prima “Biennale de la Tapisserie” di Losanna, con una "proposta agli architetti", vero e proprio manifesto dell'arte tessile, ripreso da molte testate di architettura e design, elogiato da Bruno Munari. È il momento di scoprirlo, riscoprilo, ricordarlo, per confrontarsi con una visione contemporanea, che prosegue intatta a quindici anni dalla sua scomparsa.

Ragionando, arazzo 1970

ENRICO ACCATINO

Genova 1920 – Roma 2007

 

Pittore, scultore, incisore, teorico dell'educazione artistica, nasce a Genova da una famiglia originaria del Monferrato, terra “idealizzata” dei suoi primi lavori. Dopo un inizio da autodidatta entra a 18 anni nello studio Felice Casorati. Allo scoppio della guerra, da semplice fante stringe amicizia con giovani intellettuali come Michele Prisco, Mario Pomilio, Gino Montesanto. Dopo il conflitto si trasferisce a Roma e si diploma all'Accademia di Belle Arti.

 

Nel 1947, insieme allo scultore Mino Guerrini parte per Parigi dove può finalmente confrontarsi con le nuove tendenze dell'arte europea, e dove frequenterà per quasi due anni maestri come Gino Severini, Alberto Giacometti, Eduard Pignon, Henri Laurens, Henri Matisse. Al rientro in Italia sviluppa un'arte figurativa ispirata a motivi sociali, vicino ad artisti come Fausto Pirandello d Renato Guttuso, che gli acquistò le sue prime opere.

 

Vinta la medaglia d'oro alla Biennale di Salisburgo la sua produzione artistica produce grandi "Cicli" figurativi, come quelli delle Madri, dei Pescatori, degli Annegati, della Mattanza, quest'ultimo ispirato dall'esperienza come "tonnarotto", presso la tonnara di Carloforte, in Sardegna. Nel 1951 si aggiudica la prima edizione del “Premio Marzotto”, confermandosi come uno dei più interessanti giovani talenti della pittura italiana del dopoguerra.

 

I primi quadri non figurativi nascono negli anni cinquanta. Prende così vita una pittura severa, che permette oggi di affiancare il suo nome a quello dei grandi maestri dell’informale e dell’astrattismo. Da allora il motivo caratterizante sarà la "circolarità": cerchi, dischi, mandala, declinati attraverso incisioni, sovrapposizioni, collage (le ormai celebri "Carte Costruite"). 

 

Attento studioso e teorico dell'arte, Accatino sperimenterà le più diverse tecniche espressive (pittura, disegno, scultura, mosaico). Acquistato negli anni '70 il torchio di Ottone Rosai realizzò numerose opere grafiche, e monotipi. Fu tra i primi a diffondere la cultura della tessilità, dedicandosi dal 1966 al rilancio dell'arazzo promuovendo la fiber art in Italia con una "proposta agli architetti", manifesto dell'arte tessile ripreso da testate di architettura e design, elogiato da Bruno Munari. In questo percorso formò le manifatture di Penne, Castelmassa, Monopoli, Milano, Sassari, promuovendo decine di corsi di aggiornamento.

 

Sposato con la poetessa e scrittrice Ornella Angeloni, coautrice di molte sue pubblicazioni ha avuto tre figli. A partire dagli anni '50 ha vissuto a Roma, aprendo lo studio prima a Via Chiana, poi a Via Agri. Lo studio, danneggiato da numerosi allagamenti è stato ricostruito a San Basilio.

 

In parallelo all'attività artistica Enrico Accatino è stato tra i primi in Italia a modernizzare la didattica delle arti visive. Dal 1960 al 1964 registra con la Rai 400 trasmissioni televisive (Telescuola - Non è mai troppo tardi) e partecipa alla redazione del nuovo programma della Scuola Media, realizzando in seguito testi di Educazione artistico-visiva e Storia dell'Arte fondamentali per il rinnovamento della disciplina. A partire dagli anni '60, superando i confini dell'handicap proporrà i linguaggi dell'arte come esperienza nelle disabilità mentali tra i bambini, realizzando progetti pilota e mostre didattiche.

 

Nel corso della sua attività artistica ha ottenuto importanti riconoscimenti nazionali e internazionali, ha partecipato alla Quadriennale di Roma e alla Triennale di Milano. Sue opere sono conservate in musei e istituzioni, tra cui la Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma. 

 

la locandoina dell'evento alla GNAM del 2019

la mostra di un grande artista italiano del novecento, arazzi, sculture, dipinti

 

 

 

 

 

 

L’AMANTE DEL PITTORE. GERALD & DORETTE (LA SPUDORATA)

Gerald Leslie Brockhurst (1890 – 1978) è stato uno dei più famosi e apprezzati ritrattisti inglesi tanto da immortalare negli anni ’20 e ’30 la principessa di Windsor e altri membri della famiglia reale, o dive come Merle Oberon e Marlene Dietrich. 

Adotta sempre uno stile anomalo e acido, a tinte fredde, che lo pongono un palmo sopra a tantissimi professionisti di genere, tanto che già al tempo un suo ritratto costava 1000 ghinee e non era destinato a gente comune. Ha soprattutto un approccio analitico e psicoanalitico che, secondo me, in alcuni casi, lo colloca tra i maestri del Modern Realism internazionale. Aveva anche una moglie, Anaïs, della quale troverete un'immagine in coda all'articolo, e una vita che, dall'esterno, appariva borghese e abitudinaria.

 

Questa la prima parte. La seconda inizia  in rete, sino a fermarsi su questo ritratto ipnotico:  Jeunesse Dorée (1941/42), Lady Lever Art Gallery, Liverpool, che ho voluto come cover di Outsiders 3.
Quadro e autore di cui in Italia non esisteva alcuna imformazione. Lo sguardo è duro e triste, le labbra morbide e tumide, i capezzoli quasi forano la lana di un orribile golfino nello stile dell'epoca.
Ma sono gli occhi che colpiscono.
Rimandano un vortice di peccati e di infinita tristezza, che sembra quasi far rumore. Ha le sopracciglia fini da strega cattiva che puntano in giù, all'incavo degli occhi. Dovrebbe celebrare la giovinezza, esplora il desiderio.
Dopo questo ritratto ne trovo altri. Tutti straordinari e un po’ disturbanti. Come Adolescenza, con la ragazza dagli occhi tristi poco più che bambina.

Dorette nell'incisione Adolescenza, 1932

Due anni dopo il primo intercetto, scopro casualmente che la ragazza era la sua amante, da lui ribattezzata "Dorette". L'aveva conosciuta appena diciottenne  come modella, perdendo completamente la testa. Rimase, però a lungo, solo l'amante, sino a quando dopo anni, stanco di sotterfugi Dorette (che in realtà si chiamava Kathleen Woodward), fece scoppiare il tema dell'adulterio volontariamente nel corso di una intervista al Sunday Express, facendo saltare il matrimonio, tanto che il pittore lascia la moglie per trasferirsi con lei in America a continuare una carriera di successo. Ha realizzato moltissimi suoi ritratti, anche dopo i fatti raccontati, dove diventa "La signora" e, anche lei, si imborghesisce.
Ah, dimentincavo. Quando scoppiò la bomba uscì fuori anche che prima di Dorette, Gerald aveva già tradito sua moglie intrecciando una lunga relazione con la sorella di lei. A dimostrazione che in Inghilterra una vita abitudinaria, poteva sempre essere ricca di sorprese.

 

Gerald mentre in studio realizza il ritratto di Merle Oberon

Gerald e Dorette sposi

 2 portraits of the artist's first wife, Anaïs Folin