LA DONNA CHE PARLAVA CON GLI ANIMALI. SIMONA KOSSAK

Simona Kossak era chiamata “strega”, perché chiacchierava con gli animali e possedeva un corvo ladrone, che rubava l'oro e attaccava i ciclisti, e perché passava più tempo con le bestie che con gli umani. Una delle tante streghe che hanno fatto del bene all’umanità e che nelle foto ricorda tanto la Gelsomina del film "La strada".

Polacca, laureata in Scienze Forestali, biologa, Simona (1943 – 2007) ha trascorso più di 30 anni a partire dalla fine degli anni ’60 in una capanna di legno nella incredibile foresta di Białowieża, patrimonio dell’umanità dell’UNESCO e riserva delle biosfera, tra Polonia e Bielorussia, dove ancora vivono in liberta i bisonti europei e dove quest'anno avrei sognato di andare.

 Senza elettricità, né acqua corrente. Insieme a lei visse per 17 anni anche una femmina di cinghiale, Zabka, una lince, una cicogna nera, un bassotto e alcuni pavoni, ma non solo, la sua capanna era così in sintonia con la foresta e considerata un luogo talmente sicuro che una cerva la scelse come nursery per partorire i suoi cuccioli, che furono allattati dalla biologa e lei stessa fu riconosciuta da loro come “madre”. Era una scienziata, ecologa e autrice di film pluripremiati, nonché di trasmissioni radiofoniche. Allora, che succede con l'attivista che ha combattuto per la protezione della foresta più antica d'Europa. Simona credeva che si dovesse vivere semplicemente e vicino alla natura.

Qui la scoprite nelle foto del fotografo naturalista Lech Wilczek che ha abitato alcuni anni accanto a lei.

PINO PASCALI. IL GENIO CHE VESTIVA LE SORELLE KESSLER E I PELATI CIRIO

La vita è troppo breve per sprecarla 
a realizzare i sogni degli altri.
Oscar Wilde

Roma ha un triste bagaglio di memorie. Doloroso e dimenticato. Sono i luoghi dove tanti personaggi amati sono passati per poi fuggire via. Penso al leccio scheggiato sulla Nomentana da Rino Gaetano, morto perché l’ambulanza che lo trasportava non trovò ospedali disposti ad accoglierlo. Penso all’angolo tra via Paisiello e via Rossini, dove si fracassò all’alba la Ford Thunderbird lilla di Fred Buscaglione. All’accigliato Rocco Carbone, uno scrittore e un amico, schiantatosi a terra col motorino, di notte, senza nessuna apparente motivazione dopo uno stupidissimo semaforo tra viale Aventino e piazza Albania, dove altri amici hanno piantato un olivo. Alla terrazza del Biondo Tevere, dove Pasolini cenò con Pelosi prima di partire alla volta dell’idroscalo. Così, ogni volta che imbocco il sottopassaggio di corso Italia, faccio un segno di saluto a Pino Pascali che proprio qui, nell’ultimo week-end d’estate, il 30 agosto 1968, a soli trentatré anni, viene investito da un’auto mentre è con la sua moto. Per poi morire, undici giorni dopo, per i postumi delle ferite.

Roma era deserta. Venezia ospitava le sue opere alla Biennale. New York stava allestendo la sua prima mostra americana e nello stesso giorno usciva Hey Jude. E mi immagino il ritardo dei soccorsi, in una città deserta, l’arrivo al policlinico Umberto I con i portantini che fumano e chiacchierano, come nei film di Verdone, contornati da malati in pigiama.

Non ho mai saputo se avesse avuto il casco, ma ne dubito, perché io ad agosto, alla sua età e in quegli anni, sarei andato con la criniera al vento, e mi sarei sentito immortale.

Il Sessantotto era appena scoppiato, ma la gente ancora non lo sapeva. Doveva andare forte, con la sua moto, Pino. Era uno stracazzo di momento: “Trombava come un puma”, mi ha detto un gallerista che lo conosceva, con un'espressione romanesca che oggi non si usa più.

 

Ora è un grande Maestro e te lo immagini chissà come. All’epoca era solo un ragazzo bello e felice, penso io, perché era passato da anonimo grafico pubblicitario ad artista conclamato. Un’esplosiva avventura poetica durata appena tre anni, dal 1965 al 1968 che aveva già provocato una vera onda d’urto. Una rivoluzione visiva, subito colta da critica e pubblico, paradossale e imprevedibile, sempre in bilico tra pop e concettuale. Una meteora nella storia dell'arte italiana. Una luce che ancora oggi non cessa di stupire e che prefigura - anzi ha creato - le tendenze dell’attuale arte contemporanea: dai ragni della Louise Bourgeoise alla land art, passando per Anish Kapoor.

 

 

 

 

Cito dalle note biografiche sul sito della Fondazione Pino Pascali: “Scultore, scenografo, performer, Pascali coniuga in modo geniale e creativo forme primarie e mitiche della cultura e della natura mediterranee (la Grande Madre e Venere, il Mare, la Terra, i Campi, gli attrezzi e i riti agricoli) con le forme infantili del Gioco e dell’Avventura (animali della preistoria, dello zoo e del mare, giocattoli di guerra, il mondo di Tarzan e della giungla, bruchi e bachi, travestimenti, Pulcinella)”.

Ma è stato anche un poeta, Pino, capace di lavorare con il bianco assoluto. E consiglio a chi non lo conosce di farsi due passi alla Galleria Nazionale di Arte Moderna di Roma, per vedere le sue opere, fortemente volute dalla direttrice del tempo, Palma Bucarelli, che giacciono, silenziose come balene spiaggiate. La terra, gli animali (i bachi da seta), i frammenti anatomici, la ri-costruzione della natura, grandi intuizioni, ancora più grandi per la loro apparente semplicità. Come il mare, ricostruito in vaschette di zinco, ognuna delle quali contiene una variazione di tono su tono.

Nasce a Bari il 19 ottobre del 1935. La sua famiglia viene da Polignano a Mare, il paese di Domenico Modugno. Pino è sepolto lì, nel piccolo cimitero. A Polignano gli hanno dedicato il Museo d’Arte Contemporanea. Cresciuto durante la seconda guerra mondiale, trascorre due anni, dal 1940 al 1941, con la famiglia in Albania, dove il padre, funzionario di polizia, è stato trasferito. La guerra vista da vicino e poi i rottami che lascia alle spalle rimangono tra le più forti impressioni dell’infanzia. Molti anni dopo lavorerà sul concetto di paradosso, di stampo dadaista, allestendo macchine da guerra di grandi dimensioni che sembrano armi per uccidere, ricreate sino al minimo dettaglio. In realtà, oggetti prodotti con materiali di recupero: residuati meccanici, tubi idraulici, vecchi carburatori Fiat, rottami, manopole.

Certo, oggi è molto noto alla critica ed è una star. Ma forse non è conosciuto quanto dovrebbe dal pubblico e dai più giovani, che forse non ne comprendono la freschezza, la vicinanza e l’unicità narrativa. Come a suo tempo Piero Manzoni, si avvicina all’arte povera e alla Pop Art, senza mai lasciarsene ingoiare. È la sintesi perfetta del celebre aforisma di Karl Kraus: “Artista è soltanto chi sa fare della soluzione un enigma”.

Ma non è questo l’unico motivo che mi ha spinto a inserirlo in queste pagine. Ciò che amo è il suo scoprirsi a poco a poco artista, mentre maneggia fondali per Carosello e disegna annunci pubblicitari (alcuni dei quali rigettati dai clienti perché “poco creativi”), mentre inventa scenografie, pupazzi e fumetti.

Dopo l’esperienza albanese con la famiglia, scappa da ripetente da Bari e s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Roma, dove studia con Toti Scialoja. Inizia poi a lavorare nella comunicazione, creando piccole cose, logotipi. Ma poi, col successo di Carosello, anche vere e proprie campagne pubblicitarie, cartoni animati e spot per Algida e altri prodotti di largo consumo, come Cirio, Arrigoni, Getto Insetticida. Le icone e i feticci della cultura di massa.

Dalla pubblicità alla televisione il passo è breve. Realizza sigle televisive rimaste memorabili, come quella del settimanale Tv7 della Rai. Le scenografie per la Biblioteca di Studio Uno del Quartetto Cetra, addirittura costumi per i balletti delle gemelle Kessler, ma anche le sirene e i ciclopici oggetti della caverna di Polifemo dello sceneggiato televisivo tratto dall’Odissea, grande successo per la regia di Franco Rossi.

Farà anche brevi parti d’attore e camei negli spot. Un’alternanza di alto e basso, di creatività senza pregiudizi che mi piace da morire e che mi sembra dovrebbe dare nuovo orgoglio a una professione, quella di “creativo”, sempre più negletta. Professionisti spesso invisibili, a volte anonimi, così isolati da finire per rinchiudersi in piccole riserve indiane, dimenticandosi di essere il motore storico di questa nazione. Perché la creatività non si esprime attraverso classi di merito, gironi, categorie. È un’esigenza che, a volte, diviene professione. Che può scendere a compromessi (come tutti i ritrattisti, per esempio, Leonardo e Goya compresi, vissuti come artisti di corte), che può esprimersi o replicare. Che esiste, perché esiste il mondo.

 

 

 

  

 

Marco Papa - Cerchio di Fuoco: indagini sulla morte di Pino Pascali, 2007 - 2006 Moto Guzzi)



32 metri quadrati di mare circa. GNAM - 

PAOLO FIORENTINO. ARCHITETTURA INTERIORE

A poco più di 50 anni il cuore di Paolo Fiorentino (1965-2018) ha smesso di battere dopo una lunga convivenza con i suoi problemi cardiaci e dopo anni di silenzio e distacco dal mondo dell’arte. I suoi quadri raffiguravano città e architetture surreali e metafisiche, spesso su sfondi a tinta unita. Non esistono, sono proiezioni e introiezioni di un secolo di architettura.
In qualche modo Sorrentino l’alter ego romano delle esperienze milanesi di Marco Petrus (1960), quasi coetaneo.
Un percorso che in alcuni anni ha avuto come compagno di viaggio  anche l'architetto e artista romano Massimo Catalani, che ha usava pigmenti per costruire masse e forme.

 

Bello il ricordo dell’artista Massimo Livadiotti:

Ho diviso con lui per diversi anni il mio studio a piazza Vittorio e li ricordo come anni indimenticabili. Era un artista profondo e con una forte sfumatura romantica; ricordo ancora l’episodio in cui rifiutò di partecipare alla Biennale di Venezia come un gesto di grande coerenza intellettuale non comune ad artisti della sua generazione. 

Lo conobbi negli anni 80 come un giovanissimo pittore en plein air. Andava in giro per la sua amata città a dipingere piccole vedute su tavola della Roma che più amava…porzioni di paesaggi urbani in cui il dialogo tra natura e antiche vestigia si tingeva di bellezza. 

Negli anni '90 fu tra i fondatori della galleria Il Polittico e contribuì notevolmente al successo di quello spazio culturale. Nel 1996 la sua partecipazione alla Quadriennale di Roma sancì il suo definitivo successo a livello nazionale tra i pittori emergenti. Nel 2002 vinse il Premio Michetti e di lì a poco entrò a far parte della scuderia degli artisti di Italian Factory che lo consacrò anche a livello internazionale. Verso la fine degli anni 2000 cominciò un suo percorso a ritroso e di grande riflessione che lo portò lentamente a isolarsi sempre più dall’ambiente del mondo dell’arte contemporanea, da lui ormai considerato un mondo superficiale ed effimero.

 

 

 

MARCO PETRUS

  

MASSIMO CATALANI 

 

 
MARCO VERRELLI

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CARLO MATTIOLI. LECCIO, QUERCIA, TEMPESTA

Un albero come punto di arrivo in un percorso personale, che trova numerosi riferimenti, ma mai adesioni a stereotipi. Una pittura nella quale molti critici hanno ravvisato il frutto della lezione di Morandi, Sironi e de Staël, oltre a singolari tangenze col Burri dei sacchi e cellotex (come emerge dalla mostra alla Fondazione Magnani Rocca), ma che si incrocia anche con la famosa serie degli alberi di Schifano, e perché no, in alcuni lavori di Sergio Toppi e Ferenc Molnar con l'orizzonte che viene magicamente alzato nella parte superiore dela tela. Perché le sue opere sono belle, ovvio (cercatelo in rete), ma sono soprattutto sincere. Mio padre avrebbe detto "un soffio..."

Mattioli nasce l’8 maggio 1911 a Modena, figlio di un pittore figurativo e docente, che conduce la famiglia a Parma, dove Carlo studierà Belle Arti. Nel 1937 si sposa con Lina, protagonista di molte sue opere, ritratti, nudi, iniziano dagli anni ’40 a occuparsi di grafica.

Del 1943 la prima personale alla Galleria del Fiore di Firenze. I nudi lasciano spazio alle nature morte, quindi ai paesaggi di Parma, ai notturni, e infine paesaggi arsi dal sole e dalle nubi.

Come citato nel sito a lui dedicato “Sono forme di frequentazione e consuetudine antiche viste, meditate infine disseppellite dopo molto tempo in un’esplosione di colori per lui inediti: le spiagge, i campi di papaveri e di lavanda, le ginestre, le aigues mortes, gli alberi, la Versilia, le colline di Castrignano, le foreste di Birnam, i boschi.”

Nel 1983 muore Lina. Nello stesso anno avviene la grande donazione all’Università di Parma.

Nel 1993 esegue gli ultimi quadri a olio. Una nuova pagina. Sono calanchi bianchi, come fantasmi di pietra. Muore a Parma il 12 luglio del 1994.

LE PICCOLE STANZE DELLA MORTE: GLESSNER LEE

Guardate bene, forse vedrete una traccia che è sfuggita, un dettaglio, magari l’arma del delitto. Guardate bene, forse vedrete una traccia che è sfuggita, un dettaglio, magari l’arma del delitto. Sono i diorami costruiti da una donna in età avanzata, Frances Glessner Lee (1878 - 1962) uno dei propulsori della scienza forense negli Stati Uniti. Pioniera della disciplina, Lee ha contribuito a creare il Dipartimento di Medicina Legale di Harvard e ha dotato la Magrath Library of Legal Medicine, prima donna capitano di polizia negli Stati Uniti, dopo aver iniziato tardi e dopo aver lottato a lungo con la famiglia che non accettava la sua scelta, libera di fare quello che voleva solo dopo il divorzio e la morte del padre.

I Nutshell Studies of Unexplained Death, 20 veri diorami della scena del crimine vennero ricreati nei minimi dettagli a scala di case delle bambole, utilizzati per addestrare gli investigatori di omicidi. Diciotto studi su Nutshell Death sono ancora in uso per scopi didattici dall'ufficio del Maryland del Chief Medical Examiner e sono considerati opere d'arte.

 

scene del crimine. polizia criminale, anni '30, 

colorazione digitale